Light Show, featuring Iván Navarro, explores the experiential and phenomenal aspects of light by bringing together sculptures and installations that use light to sculpt and shape space in different ways. The exhibition showcases artworks created from the 1960s to the present day, including immersive environments, free-standing light sculptures and projections.
From atmospheric installations to intangible sculptures that you can move around and even through, visitors can experience light in all of its spatial and sensory forms. Individual artworks explore different aspects of light such as colour, duration, intensity and projection, as well as perceptual phenomena. They also use light to address architecture, science and film, and do so using a variety of lighting technologies.
Light has the power to affect our state of mind as well as alter how we perceive the world around us, and Light Show includes some of the most visually stimulating artworks created in recent years. It also includes rare works not seen for decades and re-created specially for the Hayward Gallery.
Iván Navarro presents three artworks in Light Show - Burden (Lotte World Tower), Hayward Fence, and Reality Show (Silver). These works control not only light, but the viewer’s perceptions. Inside Reality Show (Silver), a phonebox-like cubicle which mirrors itself to infinity, the visitor seems to disappear, though they can be seen by other viewers outside the box. The illusion depends on light and one-way mirrors. These also feature in Burden (Lotte World Tower), a flat neon wall sculpture which gives viewers the illusion of looking into the hollow interior of a vertiginously tall skyscraper. Burden (Lotte World Tower) was previously exhibited in the artist's 2011 solo exhibition, Heaven or Las Vegas, at Paul Kasmin Gallery. Navarro will create a site-specific piece Hayward Fence, adapted from the Armory Fence, previously exhibited at Paul Kasmin Gallery's 2011 Armory Show booth.
Light Show features works by 22 artists including David Batchelor, Jim Campbell, Carlos Cruz-Diez, Bill Culbert, Olafur Eliasson, Fischli and Weiss, Dan Flavin, Ceal Floyer, Nancy Holt, Jenny Holzer, Ann Veronica Janssens, Brigitte Kowanz, Anthony McCall, François Morellet, Iván Navarro, Philippe Parreno, Katie Paterson, Conrad Shawcross, James Turrell, Leo Villareal, Doug Wheeler and Cerith Wyn Evans. The exhibition is curated by Dr Cliff Lauson, Hayward Gallery Curator.
Bosque desnudo. Ricardo Rendón
La Sala Gamboa -espacio de proyectos in situ del Museo de Arte Moderno- se ha interesado por mostrar en los últimos años propuestas vinculadas a prácticas culturales que replantean relaciones cotidianas entre diferentes estéticas; y que además provocan un diálogo con las condiciones arquitectónicas del espacio, es decir con su circularidad y las consecuencias que en términos de percepción esto conlleva.
Con Bosque desnudo, Ricardo Rendón vincula la producción artística contemporánea con la reutilización de materiales naturales decomisados por tala ilegal; y con la recuperación de algunos procesos de manufactura como el oficio de torneado.
La pieza establece un diálogo con el lenguaje arquitectónico del edificio que lo contiene a partir de la unión exterior-interior, circunstancia que ha marcado la historia del edificio mismo del museo. Vale la pena recordar que desde el principio el proyecto arquitectónico vinculó el edificio con las características espaciales exteriores del bosque, razón por la cual las construcciones están intercaladas con espacios de jardín. Algunos elementos estructurales como los ventanales, fueron criticados en un inicio por no generar las condiciones adecuadas de luz para proteger las obras. Sin embargo la museografía ha buscado favorecer la integración de la obra con el entorno. Retomando esta idea, Bosque desnudo vincula la sala con el jardín a partir de la transparencia de la estructura. Esto además responde también a uno de los ideales de la concepción del museo: el de resaltar cualidades arquitectónicas a partir de la exhibición de la producción plástica de actualidad.
Esta instalación transgrede ilusoriamente los cristales que permiten ver hacia el exterior para conectar ambos espacios. De esta manera el artista se propone hacer una reflexión acerca del vínculo entre lo natural y lo manufacturado, y evidenciar la manipulación de un material proveniente de un contexto natural.
Entre las ideas fundamentales que rodean el proceso de producción de Rendón -y que participan en esta pieza- se encuentran: la supremacía de la manipulación matérica, la función de la obra como el registro de la intervención de materiales y el reconocimiento de contextos a partir de los cuales elegir la materia de producción. Todo esto se condensa en cada una de sus obras donde la pieza resulta como un testigo o contenedor de la energía del proceso mismo de producción al momento de ser exhibido. Resalta lo protagónico del material utilizado en la producción generando un resultado plástico definido. En este caso las texturas, colores y calidades del material son fundamentales para catapultar la experiencia del espectador.
El trabajo de Ricardo Rendón utiliza herramientas y procedimientos como vía de reflexión sobre el trabajo. Con este proyecto recupera el oficio del torneado para elaborar las esculturas que forman la instalación. Al involucrarse él mismo en la producción y la labor manual para realizar una obra cuestiona el acto de delegar ciertos trabajos que forman parte del proceso creativo. El momento de ejecución contiene un carácter performático y se prolonga gracias al registro del mismo a partir de las huellas que contiene la pieza sobre la transformación del material.
Finalmente es importante remarcar que la materia prima para realizar la instalación fue obtenida gracias al donativo de las instancias encargadas de decomisar material obtenido por tala ilegal. Para Rendón este proyecto necesita reforzar el tema de explotación de recursos materiales. Por lo mismo decidió no, ocultar con el formalismo de las esculturas la procedencia de los troncos para, guiar en ese sentido la lectura de la pieza y generar información al respecto.
La exposición ofrece al espectador un espacio de libre circulación, un recorrido por un bosque construido, interior; que hace una alegoría del recorrido por el Bosque de Chapultepec, lugar que alberga al Museo desde 1964.
Graciela Kasep
Museo de Arte Moderno, Ciudad de México
The theme of the first series is The Art Of Chess. For this first series we have selected 10 Artist that created a work of art specialy design for this limited edition.
At this time two of the editions are available, Ricardo Rendon (Area de Juego 2013) and Artur Lescher (The Throne Belongs To No One, 2013)
Coming soon there will be works by Ivan Navarro (Chile-lives and Works in New York), Cristian Segura(Argentina), Javier Arce (Spain), Jorge Méndez Blake (Mexico), José Davila (Mexico), Manuela Ribadeneira (Ecuador-lives and works in London), Marlon de Azambuja (Brazil-lives and works in Madrid) y Jorge Pedro Núñez (Venezuela-lives and works in Paris). If you will like to buy one of this works please send an email to info@princesteditions.com